Festival di Cannes 2022: i migliori film (Crimini del futuro, Armageddon, ecc.)

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Il Festival di Cannes di quest'anno, il primo anno del festival cinematografico più ammirato al mondo, ha prodotto un sacco di buoni e preziosi piccoli grandi film, e scelgo di attribuire questa insignificanza al collo di bottiglia inverso del COVID, che ha sospeso la produzione del 2020. Anni di produzione stanno ora riprendendo. Per il vostro umile critico, un cast apparentemente di prim'ordine potrebbe aver prodotto un capolavoro (sto parlando con te, l'era apocalittica di James Gray) e molteplici fallimenti che vanno oltre la mera cattiveria e si avvicinano a un attacco morale (anche se il dramma sulla sofferenza dei neri Tori and Lokita e il thriller sugli omicidi delle prostitute Holy Spider hanno inspiegabilmente i loro sostenitori). Tradizionalmente, questi premi vengono assegnati ai film sbagliati, con la satira ad ampio raggio di Ruben Östlund The Triangle of Sorrows nel 2017 insieme a The Square. Tra le proiezioni più spaventose di un festival cinematografico di medio livello, sono sicuro che l'anno prossimo porterà senza dubbio successi di registi di peso.
Ma lamentarsi non serve a niente, non quando al mattino puoi contemplare pensieroso le onde color zaffiro del Mediterraneo e cercare di non metterti in imbarazzo mentre chiacchieri con Julianne Moore a un cocktail party la sera. Per quanto riguarda il film in sé, gli spettacoli collaterali offrono momenti salienti più alti del solito, come un incredibile viaggio nel corpo umano (non sto parlando dell'ultimo film di David Cronenberg, che ci crediate o no) e un'immersione in una silhouette psicologica in una lussureggiante fantasia. Alcuni dei circa dodici film presentati di seguito hanno già ottenuto un contratto per la distribuzione nelle sale cinematografiche degli Stati Uniti e saranno disponibili nel 2022; altri devono ancora essere scelti e potrebbero essere i principali streamer nel feed frenetico delle offerte post-vacanza. (Saresti sorpreso di sapere quante delle migliori acquisizioni straniere di Netflix faranno il loro debutto al Palais des Festivals.) Continua a leggere per un'analisi delle 12 anteprime più promettenti provenienti dal soleggiato sud della Francia, dove i migliori Sfrutta al meglio il tempo che passi seduto in casa, al buio, per ore e ore.
Dopo aver spinto i problemi del padre ai confini dell'universo in "Astra", James Gray porta la sua attenzione su padri e figli a un disco personale più solido e immediato mentre scrive per questo memoir di fantasia - una delle sue migliori opere commoventi - ricrea i film di New York della sua infanzia in chissà quanto tempo. Il giovane ebreo Paul Graff (Michael Banks Repeta, piuttosto scoperto) sogna un giorno di trasformare i suoi graffiti di navicella spaziale in un grande del mondo dell'arte, ma le sfide della vita ordinaria lo tengono impegnato: i genitori (Anne Hathaway e Jeremy Strong, entrambi al loro meglio) che vogliono che si riposi a scuola, un amato nonno (Anthony Hopkins) che non è in buona salute e si trasferisce Vai a un college privato con i geek della torta di Reagan dentro. Gray rende tutto nei minimi dettagli (lui e la sua squadra hanno costruito una replica in scala della sua ex casa sul palcoscenico usando filmati di famiglia e vecchie foto), più toccante del monologo straziante per via della sua intimità Il sesso è più toccante che straziante monologhi. È come curiosare nella memoria di qualcun altro.
Ma è fondamentale che Gray veda le sue scelte da mini-me attraverso gli occhi limpidi degli adulti. Il fulcro morale del film riguarda la classe sociale: come questa influenzi Paul in modi sottili che lui non riesce a comprendere e come i suoi genitori lo influenzino in modi che preferirebbero ignorare o razionalizzare. L'amicizia di Paul con una compagna di classe nera (Jaylin Webb) è dolce e ingenua, finché le circostanze molto diverse delle loro vite non li spingono in direzioni opposte e l'apparente senso di colpa di Gray suggerisce che questo disaccordo potrebbe non essere così passivo. Quanto ai genitori, soppesano costantemente i loro principi e le loro pratiche, abbandonando le scuole pubbliche che sostengono di non superare e guardando dall'alto in basso quelle che affermano di sostenere. Gray si rifiuta di cancellare le inquietanti rughe di un passato imperfetto e l'onestà è la chiave per una meravigliosa verità in ogni inquadratura di questo percorso di ricordi chiaramente osservato.
In quanto titolo più gettonato del festival, il ritorno di David Cronenberg al suo regno dell'horror corporeo sembra un ritorno in senso più ampio: un grande uomo nato dal Monte Olimpo. Artista, che ricorda come lo fanno tutti questi impostori e poser. Viggo Mortensen e Léa Seydoux interpretano una coppia di artisti performativi con una performance inquietante: lei manipola il telecomando di una macchina chirurgica, aprendo la porta a spettatori in toga e smoking, rimuovendo i nuovi orribili organi che il suo corpo ha prodotto. Sindrome da evoluzione accelerata. In quanto primo film d'artista non metaforico di Cronenberg, è allo stesso tempo allettante e appagante proiettare la sua interpretazione dello status quo del cinema debole e degenerato sui suoi personaggi e sulle loro posizioni (molte delle sue orecchie innestate non riescono nemmeno a sentire!). Imitatori in piedi che vendono imitazioni del suo stile.
Ma anche dopo una pausa di otto anni, Cronenberg continua a seguire lezioni da solo. I suoi metodi stanno diventando sempre più strani e lontani dalla gamma di generi tradizionali in cui alcuni fan vorrebbero che si adattasse. Tutti (in particolare il burlone Timlin di Kristen Stewart) parlano con frasi ad effetto barocche o passaggi teorici; "Contagio: cosa c'è che non va in loro?" è subito uno dei miei preferiti. La trama del film ha una lucentezza riflettente di plastica innaturale, adatta a una scena iniziale con un bambino che mangia in un cestino. Il mondo di domani è letteralmente e mentalmente malnutrito, le spiagge greche sono disseminate di barche arrugginite con un vago sapore distopico e i materiali sintetici sono la nostra fonte di cibo principale. Incredibilmente, Cronenberg stava scavando nella vita reale scrivendo questa sceneggiatura prima del suo recente articolo sul Guardian sulle microplastiche, ma le sue previsioni diventeranno solo più potenti man mano che il pianeta scivola ulteriormente nei suoi anni del crepuscolo. Invece, potrebbe andare avanti per sempre.
Parlando di corpi e del terrificante potenziale che hanno di comportarsi male in modi imprevedibili e disgustosi: questo documentario del Sensory Ethnography Lab di Harvard (ci regala il viaggio mentale di pesca d'altura Leviatano) Uno sguardo senza precedenti nel paese delle meraviglie scivoloso e viscido che diamo per scontato ogni giorno in diversi ospedali intorno a Parigi. I registi Véréna Paravel e Lucien Castaing-Taylor facilitano lo sviluppo di nuove telecamere in miniatura in grado di catturare filmati ad alta fedeltà dall'intestino tenue e dal lume rettale, distinguendo la differenza tra la pura geometria d'avanguardia e l'intensità viscerale che sfugge al teatro. Sì, non puoi mai dimenticare la scena della sonda uretrale in cui una lunga asta di metallo è impostata sulla "modalità Kalashnikov" e si schianta nell'uretra di una persona, o vedere un ago perforare l'iride dell'uomo più coraggioso che abbia mai pulito gli occhi sulla terra. Ma se sei come me, che vai a vedere ogni nuovo film cercando di mostrare qualcosa che non hai mai visto prima, non c'è garanzia migliore di questa.
Inoltre, non si tratta di un semplice exploit rozzo. Abbiamo scoperto che le funzioni dell'ospedale stesso sono complesse e interconnesse come il corpo umano, con vari organi che lavorano in armonia. Durante la stimolazione prostatica, sentiamo un chirurgo rimproverare infermieri e assistenti per problemi al di fuori del suo controllo, un cenno ai problemi di sottofinanziamento e carenza di personale che preoccupano così tanto gli americani in questo momento. Paravel e Castaing-Taylor si sono interessati molto alle attività di base di queste grandi istituzioni, con le riprese più emozionanti provenienti dal punto di vista di una capsula per il trasferimento di file che viaggia attraverso una rete di tubi pneumatici che attraversano l'edificio a velocità di curvatura. La sequenza finale di The Dance – perfettamente incentrata su "I'll Survive" – è come un omaggio a ciò che una persona comune pensa della classe operaia, come il proprio cuore che batte involontariamente, invisibile alla continuazione della vita. Essenziale finché non ci fermiamo a pensare a quanto sia straordinario poter andare avanti.
EO (si pronuncia ii-aw, vi consiglio vivamente di ripeterlo ad alta voce un paio di volte) è un asino e, beh, un bravo ragazzo. Il primo film del guru polacco Jerzy Skolimowski, 84 anni, in sette anni segue l'asino che non si arrende mentre fa le cose in campagna, per lo più sopravvivendo e assistendo alla dura prova. Se questo sembra una parodia della profonda raffinatezza delle accademie d'arte europee (dopotutto, è un libero remake del classico del 1966 Au Hasard Balthazar), non lasciatevi scoraggiare dal freddo minimalismo. È una vera festa, rilassante e meditativa come il lago ghiacciato, con un'inquadratura mozzafiato che ci fa penzolare a testa in giù, trasformando gli alberi in grattacieli fortemente riflettenti. Un gioco di telecamere espressivo e sorprendente ravviva questa meraviglia di 88 minuti, regolarmente intervallata da stroboscopi in stile EDM ed esperimenti con cerniere rosse.
Nessuno sottovaluta il fascino di base della star a quattro zampe, unita da sei attori animali nella loro purezza disadorna e cristiana. EO mangia carote. EO incontra alcuni teppisti che pensano che l'erba che lo riempie di birra e fucili da caccia sia un gas velenoso. EO ha ucciso un uomo! (Ecco che arriva. Nessuna giuria lo condannerà.) È difficile non amare EO, o dedicarsi alle disavventure del barbone in cui vaga principalmente come un osservatore distante. Presi nel loro insieme, i vari episodi del film dipingono un quadro della Polonia in crisi spirituale, dall'irreprensibile Isabelle Huppert nei panni di una matrigna eccitata alla manifestazione di un prete inaspettatamente licenziato. Ma è altrettanto facile abbandonarsi all'energia calmante emanata dal nostro nuovo eroe asino e al paesaggio naturale attraverso il quale ci conduce lentamente ma inesorabilmente. Per sempre EO.
Dopo aver ricevuto il plauso della critica e migliaia di fan per il suo lavoro in "Normal", Paul Mezcal ha recitato in Anna Ross Holmer e Sarah Davis dal 2016. , il primo film poco conosciuto dopo The Fits, si presenta in modo convincente a sostegno del suo status di star del cinema. Con un fascino spensierato, il prodigo Bryan di Mezcal nasconde la roba cattiva sotto di sé mentre torna al villaggio di pescatori irlandesi che ha abbandonato anni prima per un nuovo inizio in Australia. Voleva tornare al gioco della raccolta delle ostriche della città dominato dalla fabbrica di pesce locale, così ha convinto sua madre che lavorava lì (Emily Watson, che ha dato un grande spettacolo al festival) a crearne alcune per sé. Lei confida che lui non possa fare nulla di sbagliato ed è felice di accettare il suo piccolo piano, il suo leggero rilassamento morale che sarà presto messo alla prova da rischi più alti.
Poi è successo qualcosa di orribile, che è meglio tenere nascosto, mettendo le due star l'una contro l'altra in una performance insolitamente profonda, con Watson scintillante come se sospettasse che preferirebbe mangiarsela. Davies e Holmer (la devastante sceneggiatura di Shane Crowley e Fodhla Cronin O'Reilly ha guidato la loro impressione dell'Irlanda) hanno lasciato che la pressione osmotica aumentasse fino a raggiungere un'intensità insopportabile, bruciando in un climax scioccante. Ciò ci lascia con inquietanti domande su come ci comportiamo nella stessa situazione. Nel frattempo, possiamo goderci la splendida fotografia di Chayse Irvin, che trova intelligenti fonti di luce in molte scene notturne e una lucentezza ruvida nella grigia luce del giorno. Fa del suo meglio per filmare tutte le acque minacciose e proibitive che ruotano attorno a questo dramma morale, un vuoto nero come la pece che si estende all'infinito, come le profondità dell'anima umana, senza compromessi o pietà.
Sarebbe da sciocchi da parte di Netflix non accaparrarsi il debutto alla regia di Lee Jung-jae, noto soprattutto per aver recitato nel loro blockbuster "Squid Game". (Mettetelo nel vostro tubo di Algorithmic Synergy e fumatelo!) Ambizioso, tortuoso, istericamente violento, tocca molti dei punti che la Big Red N ama nei suoi altri originali post-produzione, e usa una scala abbastanza grande – Splendida in scala – da far esplodere il piccolo schermo in cui potrebbe un giorno vivere. L'epopea di spionaggio è ambientata in un periodo particolarmente tumultuoso nella storia della Corea del Sud, quando una dittatura militare ha represso i manifestanti e i loro crani e le loro tensioni si sono nuovamente infiammati con il vicino ostile del nord. In mezzo al caos, è scoppiato un gioco del gatto col topo all'interno della CIA sudcoreana, con il capo del dipartimento esteri (Lee Jung-jae, in servizio contemporaneamente) e il capo del dipartimento interno (Jung Woo-sung, che è già apparso in una situazione simile) nel web drama "Steel Rain" e in Iran: The Wolf Brigade) si sfidano per scovare le talpe che entrambi credono nascoste nella squadra avversaria.
Mentre la loro indagine si snoda tra una serie di depistaggi e vicoli ciechi, culminando in un complotto per assassinare un presidente, due agenti d'élite si confrontano per raggiungere un livello divino. Non mi stancherò mai di sottolineare l'elevato numero di morti nelle due ore e mezza del film, come se Lee fosse contrattualmente obbligato a far saltare in aria almeno 25 persone in ogni scena. Orchestra queste sinfonie di carneficina con la competenza della vecchia scuola, riducendo al minimo la CGI e aumentando al massimo i pacchetti di esplosivi in ​​numero tale che l'industria rimane redditizia per gli anni a venire. Le sceneggiature labirintiche richiedono ogni singolo granello della vostra attenzione e i tempi di esecuzione sono molto elevati, ma coloro che non si lasciano distrarre dalla convoluzione possono assaporare i campioni insolitamente grezzi delle immagini di spionaggio. (E coloro che si perdono possono ancora essere immersi nel sangue.)
È un film davvero strano, amico: il prossimo documentario di Brett Morgan su David Bowie per HBO non rientra nemmeno in questa semplice descrizione, è più simile a un rapido collage di immagini e riferimenti, come un sistema solare che ruota attorno a Il musicista più affascinante della storia. I minuti iniziali scorrono attraverso una serie di collage di clip che presentano non solo l'alieno art-rock in persona, ma anche qualsiasi indizio che potrebbe rivelarci l'intero indescrivibile background gestaltico. Oltre al video di "Ashes to Ashes" o all'esibizione dal vivo di "All the Young Dudes", possiamo anche cogliere accenni di classici del cinema muto come Nosferatu (un outsider allampanato temuto dalle persone comuni), Metropolis (un Bowie nel minimalismo industriale tedesco berlinese prediletto all'epoca) o Il dottor Mabus il giocatore (un altro manufatto di Weimar su un uomo in grado di lanciare un incantesimo sul suo pubblico). Anche se queste connessioni sembrano fragili, possiamo renderle significative e trarne qualsiasi intuizione che ricaviamo da questi test di Rorschach della cultura pop.
Mentre il film scorre per le sue due ore e mezza, decisamente extra lunghe, passa dalla sperimentazione alla routine. La prima ora si concentra su temi di ampio respiro come la bisessualità di Bowie o la sua sensibilità sartoriale, e il resto è organizzato cronologicamente, portandoci attraverso i soggiorni a Los Angeles e nella Germania Ovest, la sua relazione con il matrimonio della top model Iman e il suo punto di svolta negli anni '90, il populismo. (Il suo flirt con la cocaina viene rispettosamente omesso, tuttavia). Queste sezioni forniscono un utile corso accelerato per i novizi di Bowie e, per chi è già esperto, è una rivisitazione di alcune delle salsicce ghiacciate che prepara bene, decine di volte. La copertura completa di 5 anni di Morgan su una rock star non contiene molte rivelazioni importanti, ma i modi liberi di associare il suo approccio possono comunque rinvigorire un mistero che comunque non passerà di moda.
Ogni film rumeno racconta quanto sia terribile vivere in Romania, una terra con un governo corrotto, infrastrutture pubbliche disfunzionali e abitanti del villaggio pieni di odio. L'ultimo film del vincitore della Palma d'oro Cristian Mungiu, che rimane l'unico regista del paese ad aver vinto il primo premio del festival, si concentra sull'ultimo capitolo. In una piccola comunità isolata da qualche parte in Transilvania, una pentola a pressione esclusiva rischia di esplodere quando alcuni migranti dello Sri Lanka arrivano in città per lavorare in un panificio locale. La reazione degli abitanti sembrava un flusso di coscienza razzista che gli americani avrebbero interpretato come parenti stretti dell'ideologia trumpiana: sono venuti a rubarci il lavoro (nessuno di loro si è preso la briga di rubargli il proprio), volevano sostituirci, sono agenti di potenze straniere malvagie. Un filmato straordinario girato durante un'assemblea cittadina scatena un fiume di bile e la maschera della logica cala lentamente mentre i cittadini ammettono di non voler vedere nessuno di diverso.
Se tutto ciò sembra una dura battaglia in salita, c'è abbastanza fuoco ideologico e una fotografia fredda e magistrale da catturare anche i frequentatori del festival più esausti. Mungiu ci porta attraverso boschi innevati e strade sterrate, fotografandoli tutti con un distacco che può evocare immagini di bellezza tanto quanto di bruttezza. La trama è più fiorita di quanto l'assedio politico potrebbe suggerire. Gli orsi sono una parte importante della situazione, così come il violoncello del proprietario di una panetteria. Al centro di un film con forti principi di parte, è anche parte di un dilemma morale, e il suo altruismo verso gli immigrati potrebbe essere una cortina fumogena per sfruttare quella che in definitiva considera manodopera a basso costo. Nessuno è uscito particolarmente bene da questo film, un pessimismo forte e intransigente che non potremmo ottenere dalla produzione cinematografica di Hollywood, o se è per questo, dal circuito indie americano. Un'America come questa non esisterà mai, anche se le patologie nazionali sono così simili che potremmo anche guardarci in uno specchio rotto.
Prendete la satira del mondo dell'arte, dove tutta la rivalità, il misero risentimento e la disperazione più assoluta sono impliciti e ridotti ai termini di minor rischio immaginabili. Inoltre, Michelle Williams è probabilmente il miglior ruolo della sua carriera. Poi eliminate quanta più azione possibile nella sceneggiatura senza frammentarla, come per il pubblico che ha trovato troppo eccitante il precedente lungometraggio del regista Kelly Reichardt, "First Cow". La pubblicità è stata realizzata. Tale è la lunghezza di questo delicato ritratto di una donna che si confronta con i limiti del suo talento in un campo che sembra non avere nulla a che fare con lei. Williams interpreta la tormentata Lizzy Carr, una piccola scultrice dell'ormai defunto Oregon Institute of Arts and Crafts, che cerca di allinearsi alla prossima mostra, ma ciò che vede... Le distrazioni sono ovunque: il suo padrone di casa/amico (Hong Chau, il primo è sempre più bravo del secondo) non vuole riparare il suo scaldabagno, un piccione ferito ha bisogno delle sue cure e attenzioni costanti, la tranquilla condiscendenza dell'artista in visita la fa impazzire.
Ma il colpo di genio tragico di Reichardt sta nel suggerire che Lizzy potrebbe non essere tagliata per questo. Le sue sculture non sono male, non bruciano da un lato quando il forno si riscalda in modo non uniforme. Suo padre (Judd Hirsch) è un ceramista molto stimato, sua madre (Marian Plunkett) dirige il dipartimento e suo fratello mentalmente instabile (John Magga Law) ha la scintilla di ispirazione per cui Lizzie deve lottare. La mostra della Climax Gallery, sebbene persino usando la parola "Climax" per descrivere un film così risolutamente sobrio e cool nell'atmosfera della cittadina universitaria della costa occidentale, si è srotolata come una farsa leggera, i piccoli insulti della sua vita ammucchiati l'uno contro l'altro mentre sibila al fratello perché la lasci rilassarsi dal formaggio gratis. Per Reichardt, professoressa di lunga data al Bard, l'ironia della sua stessa approssimazione è più profonda che caustica, caratterizzata da un certo apprezzamento per qualsiasi ambiente che consenta agli eccentrici ambiziosi di essere se stessi nel loro tempo.
La sequenza dei titoli di coda migliore appartiene a questo psicodramma della scrittrice polacca Agnieszka Smoczyńska, un segreto ben custodito che fa il suo debutto in inglese con successo. Ogni nome viene letto e poi commentato da diverse voci adolescenti che mormorano "Oh, adoro questo nome!". Per esempio, il volto sorridente di Michael appare sullo schermo. E non è solo un punto a favore. Questa è un'introduzione all'universo di Lonely Island creato e abitato da June (Leitia Wright) e Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, due ragazze di colore che hanno vissuto letteralmente nel Galles negli anni '70 e '80. Rifugiandosi nella loro relazione e cadendo in uno stato di reticenza selettiva in un piccolo villaggio abitato esclusivamente da bianchi, il loro ritiro a denti stretti dall'ambiente circostante le porta infine nel tragico caos del manicomio di Broadmoor. In questa narrazione autentica, Smoczyńska e l'autrice Andrea Seigel esplorano l'insolita interiorità psicologica che le ragazze condividono, immaginando come queste esperienze estreme possano essere vissute dall'interno.
Come deve essere per le ragazze, la rottura del realismo abbaglia in un modo che la monotonia della loro vita quotidiana non può eguagliare. Filmati in stop-motion estremamente sgualciti mostrano figure con teste di uccello vagare tra le dimensioni di carta crespa e feltro, e occasionali figure musicali trasmettono lo stato d'animo angosciato delle sorelle in un linguaggio dichiarativo, un coro greco. (Lo stesso del brillante spettacolo di spogliarelliste assassine di Smoczyńska, The Lure, dalla Polonia.) June e Jennifer si immaginano entrare in un santuario saturo di colori dove tutto può essere impeccabile, finché il successo non torna alla vita reale e siamo sotto shock. Nella realtà romantica, le atlete cercano di eseguire esercizi di ginnastica con ragazze protette dopo averle incitate. Mentre la loro situazione congiunta peggiora e i tribunali le separano, possiamo solo vedere forze ostili distruggere i loro rifugi privati, una serie di salti mortali formali emersi tra i commenti sulla mancanza di servizi di salute mentale nel Regno Unito.
Mad Max è ormai alle sue spalle e George Miller è tornato con questa improbabile fiaba moderna su un uomo di nome Alicia Binney (Tilda Swinton, in ottima forma) e il Genio (Idris Elba, Resplendent and Giant) che lei aveva appena liberato dalla bottiglia acquistata al Bazar di Istanbul il giorno prima. Sai come funziona, lui è qui per esaudire i suoi tre desideri e lasciarglieli usare come vuole, ma poiché anche lei conosce la procedura, non è disposta a cadere in trappole "attente". Per convincerla della sua benevolenza, ha inventato una storia fantastica su come ha trascorso gli ultimi tre millenni, una stravaganza in CGI che in qualsiasi momento supera la maggior parte dei progetti di studio del suo genere per tutta la sua durata. Si può evocare ancora più immaginazione. Dal castello della Regina di Saba alla corte dell'Imperatore Solimano il Magnifico, magia, intrighi e passione attraversano viaggi attraverso l'antico Medio Oriente.
Ma questo meraviglioso viaggio ha una destinazione inaspettata che culmina nella sottile storia d'amore di queste due persone ribelli e affini. Rompono la loro solitudine condividendo la gioia della narrazione e la struttura narrativa ad intrecci di Miller li spinge a fare un ulteriore passo avanti. Come ha spiegato Alithea in un discorso a una conferenza accademica verso l'inizio del film, inventiamo miti per dare un senso al mondo enigmatico che ci circonda e Miller ha compiuto un'impresa notevole combinando questo senso di stupore con Il senso dell'invenzione porta la conoscenza in un mondo moderno soffocato dalla tecnologia. Naturalmente, i registi non sono luddisti; gli appassionati di effetti visivi saranno affascinati dall'uso astuto di abbellimenti digitali e creazioni su larga scala, che si tratti delle straordinarie riprese del seguire una bottiglia nell'oceano dall'artiglio di un uccello o della trasformazione in un ragno in stile Gigere. Il carburante da incubo istantaneo dell'assassino mutante si dissolve poi in una pozza di scarabei.
Riley Keough si unisce a Gina Gammell sulla sedia del regista per un inizio promettente alla prossima fase della loro carriera. (I due hanno già un altro progetto comune in lavorazione.) Hanno scrollato di dosso qualsiasi traccia di vanità hollywoodiana e la tribù Oglala Lakota si guadagna da vivere vivendo in questa riserva neorealista di Pine Ridge nel South Dakota. Possono. Per il ragazzo del posto Matho (LaDainian Crazy Thunder) e il più grande Bill (Jojo Bapteise Whiting), questo significa soprattutto rubare e spacciare droga, spacciare piccole quantità di metanfetamine, lavorare ore negli allevamenti e nelle fabbriche di tacchini nelle vicinanze o vendere barboncini per riprodurli più a lungo. Quando non hai soldi per fare niente, non c'è più niente da fare, un fatto ben compreso dalla maggior parte dei film che si accontentano di passare il tempo con i giovani, in cerca solo di qualcosa per riempire il loro tempo libero.
Se sembra che gli outsider Keough e Gammell stiano eccessivamente romanticizzando la povertà o si stiano muovendo nella direzione opposta dello sfruttamento, ripensateci; dopo gli sceneggiatori Bill Reddy e Franklin Sue Bob (Guidati da Sioux Bob) e un cast di veri residenti di Pine Ridge, riescono abilmente a identificare punti tonali difficili senza concentrarsi su toni difficili. Questi personaggi devono fare i conti con un sacco di merda dagli adulti che li circondano - il padre occasionalmente violento di Mato, il capo bianco di Bill - ma come i giovani nella vita reale, una volta che possono continuare a passare il tempo insieme e a fare scherzi, la miseria scivolerà via da loro insieme ai loro amici. Un climax distaccato riafferma le intenzioni più vili del film di celebrare e dare potere alle persone emarginate da una società dominata dai bianchi che le guarda con disprezzo quando le considera. Le menti registiche di Keough e Gammell sono qui per restare e, si spera, così faranno anche i loro carismatici collaboratori, l'attore laico di più alto profilo che abbiamo visto da The Rider di Chloe Zhao.